콘서트 밤, 하노이 음악원 강당에는 빈 좌석이 없었습니다. Rhapsody on a Theme of Paganini의 마지막 합주가 울려 퍼지다가 완전히 꺼지자, 박수 소리가 울리기 전에 강당은 몇 초 동안 조용했습니다.
많은 관객들에게 이것은 사랑받는 공연일 뿐만 아니라 Rachmaninov의 Rhapsody가 처음부터 끝까지 명확한 구조로 완벽하게 공연된 드문 경우입니다.
파가니니의 주제에 대한 랍소디는 세르게이 라흐마니노프가 1934년에 미국에 정착하여 경력의 후기 단계에 접어들면서 작곡했습니다.
많은 관객들에게 파가니니 랩소디는 변형 18을 통해 자주 기억됩니다. 변형 18은 그 자체의 배경에서 벗어날 정도로 유명한 서정적인 변형입니다. 하지만 작품 전체를 들어보면 라흐마니노프가 감정을 만족시키기 위해 음악을 전혀 쓰지 않았다는 것을 알 수 있습니다.
이것은 피아노와 오케스트라가 끊임없이 대화하고, 조롱하고, 서로 비추는 위험한 대화입니다. 아름다움이 덧없는 순간처럼 나타나는 곳입니다. 따라서 '파가니니의 주제에 대한 랩소디'의 지휘 방식은 지휘관마다 매우 분명하게 다릅니다.
지휘자 응우옌 칵 탄은 고전 버전과 직접 경쟁하는 방법을 찾지 않고, 더 은밀한 방법을 선택했습니다. 라흐마니노프를 음악 건축가처럼 읽습니다. 초기 변형부터 그는 안정적인 리듬 축을 설정했습니다. 이는 매우 귀를 속이기 쉬운 움직임 감각으로 가득 찬 l'istesso tempo 지침으로 가득 찬 작품에서 특히 중요합니다. 오케스트라는 기술 서커스처럼 파가니니 "연기"에 휘말리지 않고 깨어 있는 방식으로 진행됩니다.
이 지휘 방식은 응우옌 비엣 쭝(Nguyen Viet Trung) 피아니스트의 공연과 밀접하게 관련되어 있습니다. 쭝(Trung)은 오케스트라를 압도하려고 하지 않았습니다. 그의 피아노 소리는 깔끔하고 명확하며 손의 힘을 제어하고 대화를 위한 많은 공간을 제공합니다. 피아노는 전체 진행 상황을 이끌지 않고 오케스트라의 각 층의 소리에 반응합니다.
이러한 조화는 피아노와 오케스트라가 계속해서 주도적인 위치를 바꾸는 중앙 변형에서 분명히 드러납니다. 응우옌칵탄은 매우 규율 있는 리듬을 유지하여 그룹 음악이 정확하게 들어가고 작품 흐름이 끊어지지 않도록 돕습니다.
변형 사이의 전환은 지나치게 강조되지 않고 순조롭게 진행됩니다. 하노이 대중은 이 곡이 구조와 엄격함을 존중하는 적절한 지휘적 개성을 가진 지휘자를 찾았기 때문에 운이 좋았다고 말할 수 있습니다.
음악의 미적 절정은 당연히 변형 18에 있습니다. 이 변형에서 라흐마니노프는 파가니니 멜로디를 뒤집어 20세기에서 가장 유명한 서정적인 음악 중 하나를 만드는 데로 넘어갔습니다. 많은 공연에서 속도를 느리게 끌고, 줄을 두껍게 만들고, 피아노가 감정을 최고조로 끌어올리는 방법을 선택했습니다.
응우옌 칵 탄은 그런 방향으로 가지 않았습니다. Variation 18의 리듬은 안정적으로 유지되었고, 과도하게 확장되지 않았습니다. 끈은 부드럽게 연주되지만 전체 음향 공간을 덮지 않았습니다. 피아노는 멜로디를 명확하게 유지하고, 낭만주의를 지나치게 강조하지 않았습니다. 클라이맥스는 제자리에 도착한 다음 간결하게 닫힙니다.
이러한 처리 방식으로 인해 Variation 18은 분리된 "정지점"이 아니라 작품의 일반적인 흐름 속에 있습니다. 후자의 변형이 풍자적인 분위기로 돌아오고 Dies Irae의 등장이 있을 때 음악적 논리가 유지됩니다.
마지막 부분에서 락마니노프가 거의 장난스러운 몸짓으로 작품을 마무리하는 부분에서 응우옌칵탄은 단호하게 마무리하는 방법을 선택했습니다. 여운을 길게 주지 않고, 클라이맥스를 추가하지 않았습니다. 오케스트라는 제자리에 멈췄습니다.
하노이 대중에게 콘서트는 단순히 유명한 작품을 듣는 기회가 아닙니다. 그것은 각 변형이 위치를 차지하고 아름다움이 구조가 존중될 때만 나타나는 전체체로서 파가니니의 주제에 대한 랩소디에 대한 접근입니다.
