병목 현상을 올바르게 식별하는 것은 시급한 요구 사항일 뿐만 아니라 학술 예술이 문화 산업 전략의 진정한 기둥이 되기 위한 전제 조건이기도 합니다. 노동 신문 기자는 이 문제에 대해 베트남 국립 오페라 및 발레 극장 감독인 인민예술가 판만득과 인터뷰를 했습니다.
선생님, 음악 - 무용 - 연극은 원래 국제적인 학술 예술 형태입니다. 제14차 당 대회 결의안은 "민족적 정체성이 풍부한" 문화 기반 구축을 강조하고 있으며, 극장은 이러한 작품이 국제 표준을 충족하고 베트남인의 가치 시스템 구축에 기여하도록 학술 예술(예: 발레, 오페라를 사용하여 베트남 문화 이야기를 들려주는 것)의 "베트남화" 문제를 어떻게 해결했습니까?
- 학술 예술의 "베트남화"는 기계적으로 형식을 혼합하는 것이 아니라 국제 예술 언어를 기반으로 민족적 정체성을 내용화하는 과정입니다. 발레나 오페라는 세계적인 공연 기준을 가지고 있습니다. 그러나 작품이 전달하는 이야기와 가치 체계는 베트남의 역사, 문화 및 사람들에서 완전히 비롯될 수 있습니다.
우선, 우리는 민족사, 고전 문학에서 현대 생활에 이르기까지 애국심, 인본주의 정신, 희생 정신, 도취 욕구와 같은 핵심 가치가 모이는 상징적인 주제를 선택했습니다. 이를 바탕으로 창작팀(안무가, 감독, 작곡가, 디자이너)은 전통 음악, 동양의 신체 언어, 미술, 의상과 같은 민속 소재를 발레와 오페라의 긴밀한 구조로 전환합니다.
둘째, 우리는 체계적인 시스템에 따른 예술가 양성, 외국 전문가와의 협력, 연출, 공연, 무대 디자인, 조명 등 국제적인 직업 기준에 특히 중점을 둡니다. 이는 작품이 내용 면에서 "베트남"일 뿐만 아니라 국제 무대의 기술적 품질을 충족하도록 보장합니다. 마지막으로, 가장 높은 목표는 좋은 작품을 만드는 것뿐만 아니라 새로운 맥락에서 베트남인의 가치 체계를 형성하는 데 기여하는 것입니다.
관객이 자신의 이야기, 즉 도덕적 기준, 열망, 정체성을 학문적 예술적 언어로 이야기하는 것을 볼 때, 그들은 더 깊은 공감을 갖게 될 것입니다. 그것이 바로 학문적 예술이 국제적 성격을 띠더라도 정체성을 함양하고 사회 정신 생활을 향상시키는 효과적인 수단이 될 수 있는 방법입니다.
문화 산업 발전은 큰 초점이지만 오페라나 발레는 교향악단, 의상, 무대 장식에 매우 값비싼 투자 비용이 필요합니다. 극장은 "학문적이고 까다로운 관객"과 "수익, 시장" 문제를 균형 있게 맞추고 귀족 예술 장르를 수익성 있는 문화 산업의 가치 사슬에 진정으로 진입시키기 위한 어떤 전략을 가지고 있습니까?
- 저희는 공공-민간 협력이 재정적 해결책일 뿐만 아니라 창의성을 높이는 공간이기도 하다고 판단합니다. "Dó, Đông Hồ"(발레), "Huyền diệu Biển", "Cô Sao", "Lá đỏ"(오페라)와 같은 "베트남" 작품이나 "Carmen", "Những người khốn khổ", "La Traviata"(오페라), "Hồ Thiên Nga", "Don Quixote", "Giselle"(발레)과 같은 국제적인 작품에 대해 극단은 처음부터 학문적 기준과 현대 베트남 소재를 결합하여 예술적 깊이와 시장에 매력적인 "이야기"를 전달하는 능력을 모두 갖춘 작품을 만드는 방법을 주도적으로 설정했습니다.
우리의 가장 큰 장점은 교향악단, 안무가, 연출가부터 오페라, 발레 예술가에 이르기까지 고품질 인적 자원과 학술 예술 공연을 선도하는 단위의 브랜드입니다. 공동 제작에 참여할 때 극장은 공연 인력을 제공할 뿐만 아니라 전체 프로젝트의 브랜드를 보장합니다. 이것은 음악 및 발레 분야에 투자할 때 민간 파트너가 매우 필요로 하는 요소입니다. 이와 함께 다른 단위의 콘서트 프로그램에서 전문적인 제작 또는 동반 활동에 참여하면 창작 공간을 확장하고, 새로운 포맷을 실험하고, 전체 비용을 부담하지 않고 더 넓은 관객에게 다가갈 수 있습니다.
극장의 전략은 창의성을 핵심으로 삼고, 고품질 인적 자원과 브랜드 평판을 지렛대로 삼고, 공공-민간 협력을 운영 메커니즘으로 삼아 학술 작품을 문화 산업 시장에서 진정으로 가치 있는 제품으로 만드는 것이라고 말할 수 있습니다.
무용극 예술은 매우 가혹한 훈련 특성(일반적으로 10~15년 소요)을 가지고 있지만, 최고 수준의 공연 경력은 매우 짧습니다. 관리 측면에서 국가 무대에 헌신하는 희귀한 학문적 재능을 "붙잡아 두기" 위한 특별 대우 정책, 급여 및 보너스 메커니즘에 대해 어떤 우려와 제안이 있습니까?
- 현재 학술 예술가에 대한 대우 이야기는 여전히 큰 고민거리입니다. 오페라, 교향곡 또는 발레의 경우 공공 기관의 기본 급여는 여전히 상당히 낮습니다. 수십 년 동안 직업에 종사한 많은 경우 급여 수입은 월 500만~700만 동 수준에 불과하고 공연 수당도 미미합니다. 반면 자유 예술가나 엔터테인먼트 시장에 참여하는 예술가와 비교하면 공연 빈도와 상업성 덕분에 수입 수준이 훨씬 높을 수 있습니다.
주목할 만한 점은 이것이 가장 엄격한 훈련이 필요한 분야라는 것입니다. 교향악이나 오페라 연주자는 일반적으로 매우 높은 강도로 전문적인 환경에서 10~15년 동안 공부해야 합니다. 발레는 훨씬 더 가혹하며, 체력과 젊음을 모두 희생하면서 매우 일찍 시작해야 합니다. 그러나 역설적인 것은 경력이 짧다는 것입니다. 예를 들어 발레는 일반적으로 35~40세 정도까지 지속됩니다.
따라서 이 직업은 "장기 교육 - 단기 헌신 - 상응하지 않는 소득"이라는 매우 명확한 특징을 가지고 있습니다. 반면에 프리랜서 예술가는 활동 기간을 연장하고 소득에 대해 더 유연하게 대처할 수 있으므로 고품질 인적 자원 이동, 두뇌 유출은 이미 발생하고 있는 일입니다.
따라서 제 생각에는 해결책은 예술가의 직업 연령의 관점에서 봐야 합니다. 국가가 급여 시스템에 대한 변경 및 조정을 한 것 외에도 훈련 - 공연 - 전환에서 장기적인 직업 로드맵을 구축해야 합니다. 전성기 이후 예술가는 강의, 안무, 훈련 또는 새로운 프로젝트의 제작 및 창작에 참여하는 역할로 계속 기여할 수 있습니다. 그러면 직업 생활이 "단축"되지 않고 전문적인 깊이로 연장됩니다.
많은 의견에서 학술 예술을 꾸준히 보급하고 대중의 감상 "취향"을 높이는 것이 사회에 좋은 미적 "필터"를 만드는 가장 지속 가능한 방법이라고 말합니다. 2026~2031년 기간 동안 극장의 조용하지만 위대한 사명에 대해 어떻게 생각하십니까?
- 대중, 특히 학문적 형태를 통해 예술적 감각 능력을 함양하는 것은 문화적 "저항력"을 지속 가능하고 근본적으로 구축하는 방법입니다. 시청자가 양육되고, 지식을 축적하고, 좋은 미적 기반을 갖게 되면, 그들은 쉬운 경향이나 잡종 경향에 휩쓸리는 대신 가치를 적극적으로 선택할 것입니다.
베트남 국립 오페라 및 발레 극장에게 이것은 전략적 의미를 지닌 장기적인 사명입니다. 2026~2031년 단계는 공연 활동 유지뿐만 아니라 대중 교육 역할 확대, 접근 기회 확대, 특히 젊은 세대 사이에서 심층적인 예술 감상 습관 형성을 점진적으로 요구합니다. 극장이 이 역할을 잘 수행하면 공연 공간일 뿐만 아니라 사회의 미적 기준을 자연스럽고 지속 가능한 방식으로 형성하는 데 기여하는 장소가 됩니다.
